teamLab: Infinite Existence | teamLab / チームラボ

teamLab: Infinite Existence

2026.9.19(土) - 11.08(日)シンガポール, Supper House

teamLab: Infinite Existence

2026.9.19(土) - 11.08(日)シンガポール, Supper House

teamLab: Infinite Existence

Leaping tigers, blossoming flowers, and a medieval city beset by plague. In this latest exhibition, the lines between reality, history and mythology begin to dissolve. In its place, something beautiful and mysterious emerges – an endless realm of infinite existence.

Titled teamLab: Infinite Existence, this solo exhibition marks the first exhibition hosted by Singapore-based art platform Supper House featuring the internationally renowned collective teamLab. Centered around eight unique and dynamic works, the exhibition explores teamLab’s myriad creative inspirations, drawing upon vibrant art histories to conjure visions of limitless beauty. In particular, the exhibition adopts a curatorial focus on the concept of "Ultrasubjective Space" (chõshukan kūkan 超主観空間), in which the boundaries between the real world and the artwork’s interior space are collapsed, creating a single, seamless reality. Inspired by compositional techniques found in premodern East Asian narrative scrolls and painted screens, teamLab has embraced “ultrasubjective space” as a way of refiguring the relationship between viewer and artwork, empowering viewers to chart their own movements through the artwork’s space, thus creating an aesthetic experience that is unique to each individual.

Well known for pushing boundaries of contemporary technology, teamLab nevertheless centres the human experience at the core of its practice. Viewers are invited to gaze upon the ebb and flow of waves and waterfalls; to bear witness to the rise and fall of human civilization; to quietly meditate upon the slow passage of deep geological time. In these dark and uncertain times, the artist collective gently encourages us to become active observers of our own universes, uncovering beauty in everyday moments and ordinary scenes.

ー Supper House

作品

憑依する滝 / Universe of Water Particles – Gold

仮想の三次元空間に岩を立体的につくり、その岩に水を落下させる。水は、無数の水の粒子の連続体で表現し、粒子間の相互作用を計算している。滝を物理的に正確な水の運動シミュレーションとして構築している。 そして、全体の水の粒子の中からランダムで選んだ0.1%の水の粒子の挙動によって、空間上に線を描く。その線の集合で滝を描いている。つまり、無数の線の裏側には、その1000倍もの水の粒子が存在し、それら全体の相互作用によって、線の曲線が決定している。 そして、三次元空間上に立体的に描かれた滝を、我々が考える「超主観空間」によって映像作品にしている。

前近代の日本の絵画では、川や海など水は、線の集合として表現されることが多い。そして、その線の集合はまるで生き物かのようにどこか生命感を感じる。前近代の人々らには、実際、古典的な日本の絵画（川や海などで言うならば、まるで生き物のように見える線の集合）のように、世界が見えていたのではないだろうか。

「なぜ、前近代の人々が川や海そのものに生命を感じていたかのようなふるまいをしていたのか？」、そして、「なぜ、彼ら自身も自然の一部であるかのようなふるまいをしていたのか？」という疑問へのヒントが、それらの絵画表現の中にあるように感じる。そこには常識によって固定化された現代の客観的世界と、前近代の人達が見ていた主観的世界を再び統合的なものにしていくヒントがあるのではないだろうか。この作品を見た時、この作品の滝が物理現象を再現して描いているにも関わらず、その線の集合に生命感を感じるならば、前近代の人々の主観的世界と言われる世界も、客観的な認識の一側面であるかもしれなく、そして、現代の客観的世界も、客観的な認識の単なる一面であると言える。

もし、ビデオカメラで切り取った本物の滝よりも、本作の滝の方に、より鑑賞者と作品世界との間に境界線がなくなるような、作品世界に入り込むような感覚、もっと大胆に言えば、その線の集合にすら生命体だと感じ、まるで鑑賞者が滝に憑依するかのような体験をするならば、前近代的な日本の「世界の見え方」と、そこから発生する「世界に対するふるまい」とのつながりが見えてくる。

自然とは観察の対象ではなく、「自分自身も自然の一部である」と考えていたかのようなふるまいは、単に、かつての人々の見え方が、川や海のような自然の一部を生命体のように見せ、自然の一部にすら憑依させてしまいやすい見え方だったからではないだろうか。つまり、自然と自分との境界がないような感覚になりやすい見え方だったからではないだろうかと思うのだ。

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永遠の今の中で連続する生と死 II / Continuous Life and Death at the Now of Eternity II

永遠に連続してきた花々の生と死は、永遠の今と接続する。
作品世界は、私たちが生きている時間と同じ時間の流れの中にある。この場所の日の出とともに明るくなり、日の入りとともに暗くなっていく。そして、花々は、生と死を繰り返しながら、季節の移ろいに合わせて、ゆっくりと変わっていく。
鑑賞者が存在する現実の時間と、花々が生と死を繰り返していく時間は、この場所と作品世界に接続されたまま、分断されることなく連続し、重なり合う。
「超主観空間」によって描かれたこの絵画世界は、画面を境界として、作品世界と鑑賞者のいる空間を分断しない。作品世界は鑑賞者の身体がある空間と境界なく連続し、鑑賞者は自由な身体を持ったまま、異なる時間が同一の場で交差するこの空間の中を歩く。
作品は、リアルタイムに描かれ続け、全体として以前の状態が複製されることなく、永遠に変化し続ける。今この瞬間の絵は、二度と見ることができない。
目の前で繰り返される花々の生と死は、この場所の今と接続しながら、この先も続いていく。その連続性を、永遠の今の中に感じるとき、生命の生と死が過去から今へと連続してきたこと、そしてその連続の上に私の存在があることに気づく。

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闇は存在となり永遠の海となる / Darkness Becomes Existence, an Eternal Sea

永遠の時間の中で、海はゆるやかに満ち、また引いていく。
線の黒は闇、すなわち、光のない状態である。しかし、闇によって描かれた線は、そこに物質も光も存在しないにもかかわらず、海の白よりも前に存在し、流れ続ける。存在の認識とは、そこに物体や光があることではない。それは、まわりとの関係の中で生まれ、形づくられていく。

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向日葵鳳凰 / Sunflower Phoenix

Fleeting Flower シリーズ。全ては、長い長い時の、境界のない生命の連続性の上に危うく奇跡的に存在する。 生まれ、咲き渡っていく向日葵の花々によって、鳳凰が描かれている。花はやがて散る。それぞれの花は、散る瞬間にそこに描かれていた部分ごと散っていく。

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菊虎 / Chrysanthemum Tiger

Fleeting Flower シリーズ。全ては、長い長い時の、境界のない生命の連続性の上に危うく奇跡的に存在する。 生まれ、咲き渡っていく菊の花々によって、虎が描かれている。花はやがて散る。それぞれの花は、散る瞬間にそこに描かれていた部分ごと散っていく。

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牡丹孔雀 / Peony Peacock

Fleeting Flower シリーズ。全ては、長い長い時の、境界のない生命の連続性の上に危うく奇跡的に存在する。
生まれ、咲き渡っていく牡丹の花々によって、孔雀が描かれている。花はやがて散る。それぞれの花は、散る瞬間にそこに描かれていた部分ごと散っていく。

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蓮象 / Lotus Elephant

Fleeting Flower シリーズ。全ては、長い長い時の、境界のない生命の連続性の上に危うく奇跡的に存在する。
生まれ、咲き渡っていく蓮の花々によって、象が描かれている。花はやがて散る。それぞれの花は、散る瞬間にそこに描かれていた部分ごと散っていく。

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花と屍剝落十二幅対 / Flower and Corpse Glitch Set of 12

12幅からなり、「自然と文明の衝突、循環、共生」をテーマにした絵物語。

コンピューター上の3次元空間に立体的に作品世界を構築し、「超主観空間」で映像化している。表面が剥落し、作品の裏側が浮かび上がる。

コンピュータでは、三次元の物体の形状を、網目状の線の構造で記述された抽象的で高次の情報で表現する。つまり、三次元で描かれているものは、その表面を剥ぐと、網目状の線の集合でできている。本作品では、表面を剥ぎ、制作プロセスを垣間見せている。

1：花と屍 剝落 十二幅対 「都と貴族」
栄華極まる都。光源氏は、きらびやかな色彩の中で生活を送っていた。
2：花と屍 剝落 十二幅対 「繁栄と厄災」
都で、厄病が流行る。厄病の原因を探るため、光源氏は厄病を辿って、都の外へと旅立つ。
3：花と屍 剝落 十二幅対 「山の民と祭」
厄病を辿ると、山の村へ行き着いた。村では自然の恵みを祝い、祭りが行われていた。

4：花と屍 剝落 十二幅対 「森と日常」
祭りが終わり、日常に戻った村では厄病の影響を受けながらも、人々は果敢に生きていた。人々は木々を切り文明を発展させ、またさまざまな自然の恩恵を受けながら、豊かに暮らしていた。

5：花と屍 剝落 十二幅対 「神木とヤマタノオロチ」
山の村は、都でのさらなる発展のために多くの材木を依頼され、山の奥深くの巨木を切り倒すことになった。巨木を切り倒すと、突如そこからヤマタノオロチが現れる。ヤマタノオロチは怒り狂い、大雨を降らして洪水を起こす。

6：花と屍 剝落 十二幅対 「ヤマタノオロチと森の神々」
山の村の家々をなぎ倒し、暴れまわるヤマタノオロチに続き、森の神々がやってきて次々と人々を襲い始める。

7：花と屍 剝落 十二幅対 「戦場と兵器」
山の村は、武士に依頼し、山の村に武士の集団がやってくる。武士達とヤマタノオロチや森の神々との戦いがはじまる。
8：花と屍 剝落 十二幅対 「勝利と破壊」
武士達は、火矢などの文明を駆使し、激戦の末、武士の集団が勝利を収める。
9：花と屍 剝落 十二幅対 「荒野と飢え」
後に残ったのは燃え尽きた森の残骸。山の村は自然の恩恵を失い、飢えを予期し絶望する。

10：花と屍 剝落 十二幅対 「花と屍」
光源氏は、ヤマタノオロチや森の神々の屍に囲まれ呆然とする。困った光源氏は、ヤマタノオロチの屍に種をまいてみる。そうすると、屍から芽が出て、みるみる花々が咲いていく。その花々は、樹木に成長し、森が作られていく。

11：花と屍 剝落 十二幅対 「森と祭」
山の民たちは、森の恩恵をまた受けることができるようになり、文明を発展させながらも、森と共に生きていく決意をし、山の村ではまた祭りが行われる。

12：花と屍 剝落 「十二幅対 都と祭」
都では厄病が少し落ち着き、原因はよくわからないままだが、めでたいということで祭りが行われる。

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チームラボについて

アートコレクティブ。2001年から活動を開始。アート、サイエンス、テクノロジー、そして自然界の交差点を模索している国際的な学際的集団。アーティスト、プログラマ、エンジニア、CGアニメーター、数学者、建築家など、様々な分野のスペシャリストから構成されている。

チームラボは、アートによって、自分と世界との関係と新たな認識を模索したいと思っている。人は、認識するために世界を切り分けて、境界のある独立したものとして捉えてしまう。その認識の境界、そして、自分と世界との間にある境界、時間の連続性に対する認知の境界などを超えることを模索している。全ては、長い長い時の、境界のない連続性の上に危うく奇跡的に存在する。

チームラボの作品は、ビクトリア国立美術館（メルボルン）、ニュー・サウス・ウェールズ州立美術館（シドニー）、南オーストラリア州立美術館（アデレード）、オーストラリア国立美術館（キャンベラ）、アモス・レックス（ヘルシンキ）、ロサンゼルス現代美術館（ロサンゼルス）、アジア美術館（サンフランシスコ）、ボルサン・コンテンポラリー・アート・コレクション（イスタンブール）、アジア・ソサエティ（ニューヨーク）などに収蔵されている。

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